Piano Notes 
问任何一位钢琴老师，是什么把一场精彩的演奏和一场平庸的演奏区分开来，技巧往往不是真正的答案。真正打动听众的东西更难说清——不妨称之为"艺术形象"：一首作品所围绕的情感与诗意构想，是在任何一个音符被分析之前，它就在讲述的那个故事。大部分技巧训练，只有在为这个形象服务时才真正有意义。以下是它在实践中的含义，以及你可以如何从最初的曲目开始，就朝着这个方向努力。
艺术形象究竟是什么
它不是事后贴在一首作品上的情绪标签——"悲伤"、"欢快"、"英雄气概"。艺术形象更接近一种整体构想：这首作品在结构和情感上究竟讲的是什么，演奏者又想通过它传达什么？两位钢琴家可以弹奏完全相同的音符，速度相同，谱面上的强弱记号也相同，但一场演奏能说出些什么，另一场却什么也没说。区别在于，演奏者心中是否有一个清晰的形象，并朝着它去演奏。
为什么仅有技巧是不够的
把技巧当作终点是很诱人的想法——让手指足够快、足够均匀，音乐自然就会随之而来。但事实很少如此。一个学生可以准确无误地弹出一首作品的每一个音符，却依然无法打动听众，因为准确性与表达是两种不同的能力。技巧让一个构想得以被执行，但它本身并不是那个构想。最有用的思考方式是：每一个技巧上的决定——指法、踏板、和弦的音色处理——都应该是在回答一个音乐问题，而不仅仅是一个机械问题。
尽早开始，但不必过度讲解
学生不需要在动手练习之前，先从理论上理解"艺术形象"这个概念。对于年纪较小或初学的学生，这往往从一首简单的民歌开始，用真正的意图去演奏——问问他们这首曲子给人什么感觉，哪里应该更响、哪里应该更轻，最后一个音符和第一个音符相比应该是什么样的。目标不是上一堂美学课，而是从最初的曲目开始，就养成心中带着画面去演奏的习惯，而不是把表达留到以后再添加。
把它带入自己的练习
对于独自练习的年长学生来说，实用的做法很简单：在开始反复打磨一个乐段之前，先决定它应该传达什么。如果有帮助，可以大声说出来——"这个乐句是一个疑问"，"这个和弦应该给人如释重负的感觉"。然后让你的技巧选择由这个决定引出，而不是反过来。这是一个很小的转变，却会改变你练习时聆听的重点，也往往正是一个"正确"的乐段和一个"真正有说服力"的乐段之间的差别。
追求艺术形象并不意味着忽视技巧——而是给技巧一个方向。一旦学生对一首作品有了想要表达的东西，花在音阶和乐段上的时间，就不再像是孤立的练习，而更像是为某个具体目标所做的准备。这种思维方式的转变，是一位好老师能够传授的最宝贵的东西之一。